Niemandsland (trans: “No man's land") is not just the title of this album. Matthias Meyer also named his band as such: Matthias Meyer's Niemandsland. The term clearly has a deeper meaning for the drummer, composer, and bandleader from Berlin. It has become a key word for his musical self-discovery.

This goes back to the early corona period with its restrictions, which also and to a particularly large extent affected many creative artists. Shortly before the pandemic, Matthias Meyer had moved from Hanover to Berlin to complete the next stages of his development in the vicinity of the renowned Jazz Institute Berlin. Within a few months, he found himself in a kind of no man's land, a seemingly unreal stage of forced standstill and isolation, somewhere between emptiness and hope. It was an experience with a cathartic effect. He laid the foundation for his further creative path in that phase, in esthetic terms as well as with a view to the self-confidence to pursue his emerging musical vision.

"Niemandsland" is Matthias Meyer's first own album. The international quintet (Larsen is Danish and Braylovskiy Russian) is his first own group. This seems amazing given the maturity of the compositions and arrangements, the density of the interplay as well as the collective spirit and individual class. One reason is certainly the freshly won, purposefully implemented artistic self-image of the bandleader. The close connection between the band members is just as important. The five found each other in the Jazz Institute, played in different constellations and finally worked out Meyer's pieces together until they were recorded.

The drummer made the decision early and very consciously for the instrumentation with two saxophones. Like so much of his work, this also has very personal reasons from his background. Meyer's first instrument was the saxophone, and he still owns a tenor saxophone. "Even after I had been a drummer for a long time, I continued playing it quite seriously at the same time and still had saxophone lessons at the university. I have always found that it can help me in my playing the drums. As a drummer, I am very interested in establishing an intensive connection to music; this is not as clear for the drums as for other instruments. One of my great role models on the saxophone is Sonny Rollins. His way of phrasing works just as well on drums.”

The title of the two-part album opener seems almost programmatic: Becoming. The personal influence continues in various tracks. "I often have a concrete starting point," Meyer explained. The Thought Of Dying, for example, arose from an overwhelming feeling of weltschmerz: " ... when you deal with your own finiteness, and how suddenly everything can be over. It was out of this feeling that I sat down at the piano." The Choral der Schlaflosen (trans: “Chorale of the Sleepless"), an empathetic implementation of what affected persons go through and can be traced back to a specific case in Meyer's family. "That's why this piece is so blatant. It starts with a kind of sleep chorale and then describes these continuous loops when you try to find sleep and your body does not allow it. The longer this goes on, the more of a horror trip it becomes.”

He attributes the fact that he refers so concretely to the autobiographical to his other great musical love: rock music, whether prog or indie rock. “Rock songs are easier to grasp. I love it when I feel understood when listening to certain pieces. I feel better when there is another person who feels the same way." Jazz is more abstract. "But you can get an idea of what is behind it through the titles of my pieces and perhaps have a different feeling when listening to them."

In addition, there are compositions that were inspired by certain people. Marc is a tribute to the German-British bassist and composer Marc Muellbauer. "He is the best jazz teacher whom I got to know in my career," Meyer praised the experienced Berliner of choice, bassist and composer/arranger. He helped him decisively through the corona period. And pointed him out, among other things, the compositional intelligence of the pianist Marc (!) Copland, who influenced the intro to the piece. Clayton's Labyrinth is a tribute to the American pianist George Clayton and his inspiring ability to combine simplicity and complexity, which is also an ideal for the composer Matthias Meyer.

Meyer, who comes from Hildesheim and studied music and politics in Hanover before turning his attention completely to music, considers Berlin to be the current center of life. However, he has been living in Brooklyn, NY, since the fall of 2023 and is studying at the City College of New York, supported by a DAAD (German Academic Exchange Service) scholarship. His return is planned for May 2025. Some of the bandmates have also moved temporarily to other cities. However, Matthias Meyer's Niemandsland will soon come together again, of course, to present the clever, atmospherically dense, emotionally permeated pieces of the leader at concerts.

„Niemandsland“ (englisch: no man’s land) ist nicht nur der Titel dieses Albums. Matthias Meyer hat auch seine Band so genannt - Matthias Meyers Niemandsland. Ganz klar: für den Schlagzeuger, Komponisten, Bandleader aus Berlin birgt der Begriff eine tiefere Bedeutung. Er ist zu einem Schlüsselwort geworden für seine musikalische Selbstfindung.
Das geht zurück auf die frühe Corona-Zeit mit ihren Einschränkungen, die auch und in besonderem Maße vielen Kulturschaffenden zusetzte. Kurz zuvor war Matthias Meyer aus Hannover nach Berlin gezogen, um im Umfeld des renommierten Jazz Institut Berlin die nächsten Etappen seiner Entwicklung zu absolvieren. Binnen weniger Monate fand er sich in einer Art Niemandsland wieder, einem zunächst unwirklich anmutenden Stadium des erzwungenen Stillstandes und der Abschottung, irgendwo zwischen Leere und Hoffnung. Eine Erfahrung mit kathartischer Wirkung. In jener Phase legte er den Grundstein für seinen weiteren kreativen Weg: in ästhetischer Hinsicht sowie mit Blick auf das Selbstbewusstsein, der sich herausschälenden musikalischen Vision zu folgen.
„Niemandsland“ ist das erste eigene Album von Matthias Meyer. Das international besetzte Quintett (Larsen ist Däne, Braylovskiy Russe) ist seine erste eigene Gruppe. Angesichts der Reife der Kompositionen und Arrangements, der Dichte des Zusammenspiels und der kollektiven und individuellen Klasse mutet das erstaunlich an. Ein Grund ist sicherlich das frisch gewonnene, zielstrebig umgesetzte künstlerische Selbstverständnis des Leaders. Ebenso wichtig dürfte die enge Verbindung der Bandmitglieder sein. Die fünf haben im Jazz Institut zueinander gefunden, in verschiedenen Konstellationen gespielt und Meyers Stücke schließlich gemeinsam bis zur Aufnahme hin ausgearbeitet.
Die Entscheidung für die Instrumentierung mit zwei Saxofonen traf der Drummer frühzeitig und sehr bewusst. Wie so vieles in seinem Schaffen, hat auch das einen ganz persönlichen Hintergrund. Meyers erstes Instrument war das Saxofon, er besitzt noch immer ein Tenorsax. „Auch als ich längst Schlagzeuger war, habe ich das parallel ziemlich ernsthaft weiter geführt und noch an der Uni Saxofon-Unterricht gehabt. Ich fand immer, dass es mir helfen kann in meinem Schlagzeug-Spiel. Als Drummer bin ich sehr daran interessiert, eine intensive Verbindung zur Musik aufzubauen – für das Schlagzeug ist das ja nicht so eindeutig wie für andere Instrumente. Eines meiner großen Vorbilder auf dem Saxofon ist Sonny Rollins. Seine Art der Phrasierung funktioniert genauso gut auf dem Schlagzeug.“
Geradezu programmatisch mutet der Titel des zweiteiligen Album-Openers an: „Becoming“. Das persönlich Geprägte setzt sich fort in diversen Tracks. „Ich habe oft einen konkreten gedanklichen Ausgangspunkt“, erklärt Meyer. „The Thought Of Dying“ zum Beispiel entstand aus einem überwältigenden Gefühl von Weltschmerz: „ … wenn man sich mit der eigenen Endlichkeit auseinandersetzt - wie plötzlich alles vorbei sein kann. Aus diesem Empfinden heraus hab‘ ich mich an’s Klavier gesetzt.“ Auf einen konkreten Fall in Meyers Familie geht der „Choral der Schlaflosen“ zurück, einer empathischen Umsetzung dessen, was betroffene Personen durchmachen. „Deswegen ist dieses Stück auch so krass. Es beginn mit einer Art Schlafchoral und beschreibt dann diese Dauerschleifen, wenn man versucht Schlaf zu finden und der Körper das nicht zulässt. Je länger das andauert, wird es zu einem Horrortrip.“
Dass er sich so konkret auf Autobiographisches bezieht, führt er zurück auf seine andere große musikalische Liebe – Rockmusik, ob Prog- oder Indierock. „Rock-Songs sind leichter greifbar. Ich liebe es, wenn ich mich beim Hören bestimmter Stücke verstanden fühle. Mir geht‘s schon besser, wenn es da einen anderen Menschen gibt, der dasselbe fühlt.“ Jazz sei zwar abstrakter. „Aber durch die Titel meiner Stücke kann man den Ansatz einer Vorstellung kriegen, was dahinter steckt, und hat vielleicht gleich ein anderes Gefühl beim Hören.“
Daneben gibt es Kompositionen, die von bestimmten Personen inspiriert wurden. „Marc“ ist eine Hommage an den deutsch-britischen Bassisten und Komponisten Marc Muellbauer. „Der beste Jazzpädagoge, den ich in meiner Laufbahn kennengelernt habe“, rühmt Meyer den erfahrenen Wahlberliner, Bassist und Komponist/Arrangeur. Der half ihm entscheidend durch die Corona-Zeit. Und wies ihn unter anderem auf die kompositorische Intelligenz des Pianisten Marc (!) Copland hin, die das Intro zum Stück beeinflusste. „Clayton’s Labyrinth“ ist eine Verbeugung vor dem US-amerikanischen Pianisten George Clayton und dessen inspirierende Fähigkeit, Einfachheit und Komplexität zu verknüpfen – auch für den Komponisten Matthias Meyer ein Ideal.
Meyer, der aus Hildesheim stammt und in Hannover Musik und Politik studierte, um sich dann doch voll und ganz auf die Musik zu konzentrieren, sieht Berlin als derzeitigen Lebensmittelpunkt. Seit Herbst 2023 wohnt er allerdings in Brooklyn, NY, und studiert am City College of New York, unterstützt durch ein DAAD-Stipendium. Die Rückkehr ist für Mai 2025 vorgesehen. Einige der Bandkollegen sind ebenfalls - vorübergehend - in andere Städte gezogen. Matthias Meyers Niemandsland wird aber alsbald wieder zusammenkommen, natürlich auch um auf Konzerten die klugen, atmosphärisch dichten, emotional durchdrungenen Stücke des Leaders zu präsentieren.